Gian Battista Tiepolo
The Banquet of Cleopatra
1743–44
Cleopatra’s wager with Mark Antony that she would spend a fortune on a single banquet is a subject rarely treated in painting. Tiepolo found less inspiration in other renderings of the theme than in the festive biblical banquets in sixteenth-century Venetian settings painted by Paolo Veronese. Just as The Banquet appears seemingly without precursors, so it had no visible followers: the subject lives in our imagination as Tiepolo created it, just as Don Juan remains forever associated with Mozart’s opera.
Tiepolo treated the theme a number of times in the 1740s. The Melbourne Banquet was finished for Count Algarotti, who seems to have urged the artist to introduce the sculptures of the sphinx and of Isis and Serapis to lend to the sixteenth-century Venetian setting a touch of historical truth.
The picture did not please King Augustus III of Saxony, for whom Algarotti had ordered it, and he banished it to his hunting lodge prior to selling it some twenty years later, when the vogue for Neoclassicism had begun to replace the rococo fantasies of Tiepolo.
The picture was sold at Amsterdam in 1765 and purchased for Catherine II of Russia. Offered on the English art market in 1933, it was acquired under the terms of the Felton Bequest.
Jacopo Amiconi
Farinelli and his Friends
c. 1751
A number of people important in the history of music are here assembled in a ‘friendship picture’, which Carlo Broschi Farinelli (1705–82), Europe’s most famous castrato singer of the century, commissioned shortly before his retirement to remind him of his proud days at the Spanish court.
Holding a sheet of music, one of his favourite songs composed by himself, the singer is accompanied by his dog and his page, whose gaily coloured Hungarian uniform echoes the rose pink and sky blue in the costumes of Farinelli and of the soprano Teresa Castellini. On the far left appears Metastasio, the court poet at Vienna, who wrote many of Farinelli’s libretti; his figure has been copied from another portrait. Farinelli seems also to have invited the painter to join him; and Amiconi, in his smock, stands with his arm round his patron’s shoulder. Well versed in courtly manners, the protagonists present themselves with the aplomb of stage performers.
Vernon Lee, Charles Burney and other writers attributed the painting to Farinelli’s Venetian period, but it is clear that it must have been painted in Spain, since Farinelli wears the order of Calatrava bestowed on him by Ferdinand VI in 1750.
Florentine School
Profile Portrait of a Lady
1450–75
The small picture has the brilliance of a many-faceted jewel. The horns of the Burgundian headdress give an exotic, mask-like quality to the elaborate silhouette of the head. The meticulously outlined profile shares precision of form with the elaborate pieces of jewellery which adorn the richly brocaded dress and the headband. The portrait is part of a group of Florentine profile portraits dating from the middle of the fifteenth century, some of which have been attributed to the goldsmith, sculptor and painter Antonio Pollaiuolo. They certainly suggest an affinity with the fine chiselling of a goldsmith. The light-toned head, set against a dark ground which blends with the tone of the dress, has a cameo-like prominence. The profile portrait of the Renaissance, inspired by the heads on the coins and gems of classical antiquity, testifies to a new interest in the individual personality.
The picture was in the possession of Alexander Barker, from whence it came into the Cook Collection in Richmond; it was acquired from there in 1946 under the terms of the Felton Bequest
Florentine School
The Adoration of the Magi,
1420–30
In his book On Painting, Leon Battista Alberti said: ‘An admirable and praiseworthy narrative picture will present itself so charming and adorned with pleasant features that it will hold anyone who looks at it, taught or untaught, in delight and emotion.’ Spectators never cease to delight in the order and variety of the Adoration. The bustle of overlapping forms of horses and camels on the left is followed by the separate, distinctly silhouetted figures of the Three Kings and Joseph; the eye travels over the prostrate body of the old King towards the goal of their journey and the close of the composition: the Virgin, framed by the cloth of honour and the shed, is distanced from the rest of the scene by the white and shaded walls of the building on her left. The ordered design, to which the undulating hillside plays an accompaniment, is that of the early Renaissance. Variety is added by the splendour of the costumes and the brilliant colours, which still echo the gay fairytale style of courtly Gothic. The elongated format suggests that the picture once formed part of the predella of a large altarpiece.
The work has belonged to Professor Sellars of Edinburgh, Archibald Anderson, Archibald George Blomefield Russell, Herbert Bier, London, The Schaefer Galleries, New York, and Herbert Bier, London, from whom it was acquired in 1966–67 under the terms of the Felton Bequest.
Florentine School
Eight Famous Men
c. 1450
The page comes from a picture chronicle with illustrations of famous men from the Six Ages of the World, of which, according to medieval historians, history was composed. From left to right, they are: Pyrrhus son of Achilles, Ascanius son of Aeneas, the Prophet Samuel, King Eurythames of Sparta, King Codrus of Athens, King Aletes of Corinth, David, and Absalom. Figures taken from the ‘Fourth Age’ of classical and biblical antiquity, they are, in the customary medieval manner, garbed in the dress of the painter’s own time, yet they have a bodily presence and firmness of stance that distinguishes them from Gothicism. The simple outlines, the shading and colouring, bear a marked resemblance to the work of Piero della Francesca, but it is not known who the artist was. Series of famous men continued to be painted, sculpted and engraved until recent times, but the fantasy element of the sequence here was soon abandoned for greater historical accuracy. Renaissance artists began to rely on actual portrait likenesses for such sequences. The most celebrated portraits of famous men occur in Van Dyck’s Iconography, mainly dating from 1634-35, the ‘Landau-Finaly’ set of which is in the Print Room Collection.
The chronicle came from a French collection and was successively owned by William Morris, Charles Fairfax Murray and Sir Sydney Cockerell. It was broken up and dispersed at the Sotheby sale of 2 July 1958. The page here was acquired in London in 1966 under the terms of the Felton Bequest.
Andrea Mantegna
The Battle of the Sea Gods (right half of a frieze)
early 1470s
In the art of the Middle Ages ancient Greek and Roman gods and demigods had lost their classical proportions; they had also lost physical presence, since the medieval artist did not cultivate the ability to depict vigorous action in an apparently three-dimensional form. In Mantegna’s time, the ancient gods and heroes were restored to the form the artists of classical antiquity had given them. Mantegna is believed to have illustrated here a legend told by the historian Diodorus Siculus about a people of fish-eaters (Ichthyo-phagi); and he has based his figures on Graeco-Roman Nereid sarcophagi and other antique prototypes, which he imitated with such striking success that a fifteenth-century terracotta relief (in the Museo Nazionale in Raven-na), which is based on this engraving, was long regarded as the work from antiquity which had served as Mantegna’s model. The rediscovery of the pagan past not only supplied early Renaissance artists with models of perfect, youthful human form, but allowed the vigorous expression of passions of violence and cruelty without moral censorship.
This engraving was acquired in London in 196s under the terms of the Felton Bequest.
The above text was first published in The National Gallery of Victoria, written by Ursula Hoff and published by Thames and Hudson, London, 1973.
Ursula Hoff AO OBE FAHA è stata una prolifica autrice e storica dell’arte, descritta un tempo come «la persona che, più di ogni altra, ha plasmato il carattere e la reputazione accademica della NGV per gran parte del XX secolo». Dopo una carriera trentennale presso la NGV, nel 1975 fu nominata consulente londinese del Comitato per il Felton Bequest. Di seguito è riportata una selezione dei suoi scritti sulle opere italiane presenti nella collezione della NGV.
Gian Battista Tiepolo
Il banchetto di Antonio e Cleopatra
1743–44
L’episodio della scommessa tra Cleopatra e Marco Antonio, secondo cui la regina avrebbe speso una fortuna per un singolo banchetto, è un soggetto raramente rappresentato nella pittura. Tiepolo trasse meno ispirazione dalle altre rappresentazioni del tema che dai festosi banchetti biblici ambientati nella Venezia del XVI secolo e dipinti da Paolo Veronese. Come Il banchetto sembra non avere precursori, così non ha avuto eredi evidenti: il soggetto vive nella nostra immaginazione nella forma in cui Tiepolo lo ha creato, così come Don Giovanni rimane indissolubilmente legato all’opera di Mozart.
Tiepolo affrontò questo tema più volte negli anni Quaranta del Settecento. Il Banchetto di Melbourne era destinato al conte Algarotti, il quale sembra aver esortato l’artista a inserire le sculture della Sfinge, di Iside e di Serapide, al fine di conferire all’ambientazione veneziana del XVI secolo un maggiore senso di veridicità storica.
Il dipinto non piacque al re Augusto III di Sassonia, per il quale Algarotti lo aveva commissionato, e il sovrano lo relegò nella sua residenza di caccia prima di venderlo circa vent’anni dopo, quando la moda del neoclassicismo aveva iniziato a soppiantare le fantasie rococò di Tiepolo.
Il dipinto fu venduto ad Amsterdam nel 1765 e acquistato per l’Imperatrice Caterina II di Russia. Posta in vendita sul mercato dell’arte inglese nel 1933, fu successivamente acquisita in conformità alle disposizioni del Felton Bequest.
Jacopo Amigoni
Farinelli e un gruppo di amici
circa 1751
In questo “quadro d’amicizia” sono raffigurate diverse personalità di spicco della storia della musica; l’opera fu commissionata da Carlo Broschi Farinelli (1705–82), il più celebre cantante castrato d’Europa del suo tempo, poco prima del ritiro dalle scene, per evocare i giorni di gloria trascorsi alla corte di Spagna.
Il cantante, con in mano lo spartito di una delle sue canzoni preferite da lui stesso composta, è accompagnato dal suo cane e dal suo paggio, la cui uniforme ungherese dai colori vivaci fa eco al rosa e all’azzurro dei costumi di Farinelli e del soprano Teresa Castellini. All’estrema sinistra è raffigurato Metastasio, poeta di corte a Vienna e autore di numerosi libretti per Farinelli; la sua figura deriva da un altro ritratto. Sembra che Farinelli abbia invitato anche il pittore a unirsi alla scena; Amiconi, in camice da lavoro, è raffigurato con un braccio attorno alle spalle del suo mecenate. Esperti del cerimoniale di corte, i protagonisti si presentano con la disinvoltura di attori teatrali.
Vernon Lee, Charles Burney e altri studiosi hanno attribuito il dipinto al periodo veneziano di Farinelli; tuttavia, è evidente che debba essere stato realizzato in Spagna, poiché il cantante indossa l’Ordine di Calatrava conferitogli da Ferdinando VI nel 1750.
Scuola fiorentina
Ritratto di dama di profilo
1450–75
Quell’immagine così piccola ha lo splendore di una gemma dalle mille sfaccettature. Le corna del copricapo borgognone conferiscono un aspetto esotico, quasi da maschera, alla silhouette elaborata della testa. Il profilo, accuratamente delineato, condivide la medesima precisione formale degli elaborati gioielli che ornano l’abito riccamente broccato e la fascia per capelli. L’opera appartiene a una serie di ritratti di profilo fiorentini della metà del XV secolo, alcuni dei quali attribuiti all’orafo, scultore e pittore Antonio Pollaiuolo. Le opere in questione suggeriscono un’evidente affinità con la raffinata cesellatura di un orafo. Il volto dai toni chiari, che si staglia su uno sfondo scuro fuso con la tonalità dell’abito, risalta come in un cammeo. Il ritratto di profilo rinascimentale, ispirato alle teste raffigurate su monete e gemme dell’antichità classica, testimonia un rinnovato interesse per la personalità individuale.
Proveniente dalla proprietà di Alexander Barker e successivamente confluito nella Collezione Cook di Richmond, il quadro fu acquisito nel 1946 in base alle disposizioni del Felton Bequest.
Scuola fiorentina
L’adorazione dei Magi
1420–30
Nel suo De pictura, Leon Battista Alberti affermò: «Un quadro narrativo ammirevole e degno di lode si presenterà così affascinante e ricco di dettagli piacevoli da catturare chiunque lo guardi, colto o ignorante che sia, suscitando in lui gioia ed emozione». Gli spettatori non cessano di ammirare l’ordine e la varietà dell’Adorazione. Dal trambusto delle figure sovrapposte di cavalli e cammelli sulla sinistra si passa alle sagome più distinte dei Tre Re Magi e di Giuseppe; lo sguardo si concentra poi sul corpo prostrato del vecchio re, lungo la direzione del viaggio fino al culmine della composizione: la Vergine, incorniciata dal drappo d’onore e dalla stalla, è separata dal resto della scena dalle pareti bianche e ombreggiate dell’edificio alla sua sinistra. Lo stile ordinato, al quale il pendio ondulato fa da cornice, appartiene al primo Rinascimento. A conferire varietà sono lo splendore dei costumi e i colori vivaci, i quali richiamano ancora oggi l’allegro stile fiabesco del gotico cortese. Il formato allungato suggerisce che il dipinto abbia in passato fatto parte della predella di una grande pala d’altare.
L’opera è appartenuta al professor Sellars di Edimburgo, ad Archibald Anderson, ad Archibald George Blomefield Russell, a Herbert Bier di Londra e alle Schaefer Galleries di New York; da quest’ultimo è stata acquisita nel 1966–67 in base alle disposizioni del Felton Bequest.
Scuola fiorentina
Otto uomini famosi
circa 1450
La pagina è tratta da una cronaca illustrata con ritratti di personaggi illustri delle Sei Età del Mondo, che, secondo gli storici medievali, costituivano la storia. Da sinistra a destra si riconoscono: Pirro, figlio di Achille; Ascanio, figlio di Enea; il profeta Samuele; il re Euritame di Sparta; il re Codro di Atene; il re Alete di Corinto; Davide e Absalom. Si tratta di figure tratte dalla “Quarta Età” dell’antichità classica e biblica; pur vestite, secondo la consuetudine medievale, con abiti dell’epoca del pittore, presentano una presenza fisica e una fermezza di portamento che le distingue dal gotico. La semplicità dei contorni, delle ombreggiature e della colorazione rivela una marcata somiglianza con l’opera di Piero della Francesca, ma l’identità dell’artista rimane ignota. Fino a tempi recenti si continuarono a dipingere, scolpire e incidere le effigi di personaggi illustri, ma l’elemento fantastico di questa serie venne ben presto abbandonato in favore di una maggiore accuratezza storica. Gli artisti del Rinascimento iniziarono a utilizzare ritratti realistici per tali sequenze. I ritratti più celebri di personaggi illustri si trovano nell’Iconografia di Van Dyck, risalente principalmente al 1634–35, la cui serie “Landau-Finaly” è conservata nella Print Room Collection.
La cronaca, proveniente da una collezione francese, è stata successivamente di proprietà di William Morris, Charles Fairfax Murray e Sir Sydney Cockerell. La collezione fu smembrata e dispersa in occasione di un’asta tenutasi da Sotheby’s il 2 luglio 1958. Questa pagina fu acquisita a Londra nel 1966 nell’ambito del Felton Bequest.
Andrea Mantegna
La Zuffa di dei marini (metà destra di un fregio)
Primi anni ‘70 del 1400
Nell’arte medievale, gli dei e i semidei dell’antica Grecia e di Roma avevano perso proporzioni classiche e presenza fisica, poiché l’artista medievale non coltivava la capacità di rappresentare l’azione vigorosa in forme apparentemente tridimensionali. Ai tempi di Mantegna, gli dei e gli eroi dell’antichità furono restituiti alle sembianze che gli artisti dell’antichità classica avevano loro attribuito. Si ritiene che Mantegna abbia qui illustrato una leggenda narrata dallo storico Diodoro Siculo su un popolo di mangiatori di pesce (ittiofagi). L’artista avrebbe basato le sue figure su sarcofagi greco-romani raffiguranti le Nereidi e su altri prototipi antichi, imitati con tale successo che un rilievo in terracotta del XV secolo (conservato al Museo Nazionale di Ravenna), derivato da questa incisione, è stato a lungo considerato un’opera antica che avrebbe invece fornito il modello a Mantegna. La riscoperta del passato pagano offrì agli artisti del primo Rinascimento non solo modelli di figure umane perfette e giovani, ma anche la possibilità di esprimere con vigore passioni come la violenza e la crudeltà, senza vincoli di censura morale.
L’incisione è stata acquisita a Londra negli anni ’60 nell’ambito del Felton Bequest.
Il testo sopra riportato è stato pubblicato per la prima volta nel volume The National Gallery of Victoria, scritto da Ursula Hoff e edito da Thames and Hudson, Londra, 1973.
Francis REISS
Portrait of Dr Ursula Hoff 1994
gelatin silver photograph
59.0 x 47.4 cm
National Gallery of Victoria, Melbourne
Gift of the artist, 2014
2014.245
© Francis Reiss