A gargantuan Moloch floor lamp designed in 1971 by the great Italian provocateur Gaetano Pesce (1939–2024) can now be found crouching in the NGV Collection galleries, thanks to the generous support of the Majorie Joseph-Wilks Bequest. This recent acquisition, an icon of the Pop and Radical Design movements in Italy, still has the power to disconcert – or perhaps elicit a smile? Its spring-loaded adjustable armature, extendable to a staggering 230 centimetres, is instantly recognisable as a pumped-up version of the ubiquitous desk lamps that populate commercial and domestic interiors around the world.
The specific starting point of Pesce’s design was an L-1 desk lamp, designed by Jac Jacobsen in 1937 and produced in more than 25 million examples, with only minor variations, including subtle changes to the shape of the shade and position of the on-off switch, by the Norwegian manufacturer Luxo. By enlarging every detail of the L-1 times four, Pesce came up with a fully functional, powerful object that could illuminate an entire interior. The radical scale shift appears at once playful and unnerving, even a trifle absurd. It was a way of both underlining and breaking away from the standardised approach of industry. Like a praying mantis, the lamp mesmerises everyone and everything that comes into its orbit. It seems to have its own agency and identity, particularly when fired into life by an invisible current of electricity.
Pesce’s Pop Art sensibility was forged in the countercultural ferment and political turmoil of the 1960s. While studying architecture at the University of Venice, he had already begun to question mass production, consumerism and the traditional role of design objects. He saw magic at work in the commonplace light bulb and desk lamp, and believed that even the most ubiquitous artefact, much like art, could carry a deeper message.
Like many of Pesce’s design projects, the Moloch lamp challenges people’s indifference to their domestic surroundings. So often lights are undemanding objects that do not impinge on our consciousness. For Pesce, however, design was not about making appliances look elegant, nice and unobtrusive. Rather, he wanted to provoke thought and emotion to communicate things that people don’t generally see.
‘Moloch’, the name Pesce chose for his floor lamp, evokes an ancient, bloodthirsty deity associated with child sacrifice. This title combines with the piece’s intimidating stature to create the impression of a totemic sculpture and speaks to the fetishisation of household objects in consumerist society. Pesce’s lamp becomes a ‘godjet’ (a term coined by the architectural critic Reyner Banham) that shapes societal behaviour and exerts an uncanny hold over the user rather than functioning as an anonymous, subservient tool. Moloch references abound in literature and film, from the Old Testament to John Milton’s Paradise Lost (1667) and Fritz Lang’s dystopian Metropolis (1927), in which workers are sacrificed to a demonic Moloch on the altar of machine-driven capitalism. For Pesce and other radicalised students of the 1960s, another touchstone was ‘Howl’ (1955), the anguished, drug-fuelled rant by beat-generation poet Allen Ginsberg about the state of industrial civilisation: ‘Moloch whose mind is pure machinery! Moloch whose blood is running money! Moloch whose fingers are ten armies! Moloch whose breast is a cannibal dynamo!’
The undertow of insecurity and anxiety in Ginsberg’s stream of consciousness seemed to capture the spirit of the times and colours Pesce’s own iteration of the Moloch. We are not so much consuming household objects as being consumed by them. Pesce forces us to recognise that every lighting appliance, however seemingly inconspicuous, is emotionally and philosophically charged by the rituals of daily life and its mode of production.
In 1972, a freshly created Moloch lamp featured at the Museum of Modern Art in New York as part of the landmark exhibition Italy The New Domestic Landscape. It was placed among a group of objects selected for their ‘socio-cultural implications’. The curator, Emilio Ambasz, observed how the designers in this category ‘do not invent substantially new designs but rather re-design known objects with new, ironic and sometimes self-deprecatory socio-cultural and aesthetic references’. In many cases their designs had an explicitly ritualistic quality: ‘The object is given sculptural form and conceived as an altarpiece for the domestic liturgy’. Another reason for including Pesce’s Moloch lamp in the exhibition was as a manifesto for the conceptual and experimental ethos of Bracciodiferro, a studio recently established by the furniture manufacturer Cassina. This venture aimed to explore the most innovative aspects of design culture. It was the brainchild of Pesce and his friend Cesare Cassina, an enlightened entrepreneur who dared to go beyond the immediate interests of the market by producing objects with strong social and political messages in limited editions. Bracciodiferro’s interdisciplinary team, directed by Pesce and another friend, the naval architect Aldo Cichero, meticulously crafted six prototypes of the Moloch lamp, each with a different surface finish such as mirror polished, anodised bronze or black paint. It is one of these, formerly in Cichero’s personal collection, that has been acquired by the NGV. The initial plan was for a numbered edition of one hundred, of which an estimated twenty materialised.
Despite the positive critical exposure generated by the New Domestic Landscape exhibition in 1972, only thirteen of the Moloch lamps sold by the time Bracciodiferro folded and production ceased a few years later. The Moloch lamp was not a commercial success, but the intention had not been to saturate markets with a new standardised design classic. As a piece of provocation, it continues to spark discussion about the cultural implications of design and the social responsibility of designers, manufacturers and consumers. The surviving Molochs have now become expensive and sought after – somewhat ironic given their implied critique of capitalism and escalating consumerist desire. The lamp remains a firm favourite of the permanent collection at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, where an example is currently on display. Back in 2018 I had the pleasure of accompanying this and other MoMA treasures to Melbourne for the exhibition MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary Art. It is exciting that Australian audiences now have a fresh chance to engage with this ungainly, extraordinary object on a more permanent basis through this eye-catching acquisition.
There is nothing else quite like the Moloch lamp in Pesce’s oeuvre, although he continued to work with the same disruptive, mischief-making verve for a further five decades until his death in New York last year.
Juliet Kinchin is an independent design historian and curator currently based in Scotland. While working in the Department of Architecture and Design at the Museum of Modern Art, New York, she was one of the curators behind the exhibition MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary Art.
This essay was first published in NGV Magazine Issue 54 | Sep–Oct 2025.
Una lampada dalle dimensioni imponenti, progettata dal compianto designer italiano Gaetano Pesce, il prototipo n. 000-F della lampada da terra Moloch (1971–72), è entrata a far parte della collezione della NGV nel 2025 grazie al Marjorie Joseph-Wilks Bequest. Come scrive la storica dell’arte e curatrice Juliet Kinchin, la lampada, uno dei rarissimi esemplari mai realizzati, è stata concepita come «un oggetto provocatorio».
Una gigantesca lampada da terra Moloch, progettata nel 1971 dal grande provocatore italiano Gaetano Pesce (1939–2024), è ora esposta nelle sale della National Gallery of Victoria grazie al generoso sostegno del Marjorie Joseph-Wilks Bequest. Questa recente acquisizione, icona del Pop Art e del Design Radicale italiano, conserva ancora oggi il potere di sconcertare, o forse, più sottilmente, di strappare un sorriso? La sua struttura regolabile a molla, estensibile fino a 230 centimetri, è immediatamente riconoscibile come una versione amplificata delle comuni lampade da scrivania che popolano uffici e case in tutto il mondo.
Il punto di partenza specifico del progetto di Pesce è stata la lampada da tavolo progettata da Jac Jacobsen, la celebre L-1, ideata nel 1937 e prodotta in oltre 25 milioni di esemplari con variazioni minime, tra cui sottili modifiche alla forma del paralume e alla posizione dell’interruttore, dalla casa norvegese Luxo. Ingrandendo ogni dettaglio del modello L-1 di quattro volte, Pesce ha trasformato un oggetto funzionale, potente e ancora pienamente operativo, capace di illuminare un intero ambiente. Questo radicale cambiamento di scala appare al tempo stesso giocoso e inquietante, persino un po’ assurdo. Era un modo sia per sottolineare che per prendere le distanze dall’approccio standardizzato del settore. Come una mantide religiosa, la lampada ipnotizza chiunque e qualsiasi cosa entri nel suo raggio d’azione. Sembra dotata di una propria volontà e identità, soprattutto quando è animata da una corrente elettrica invisibile.
La sensibilità pop art di Pesce si è formata nel fermento controculturale e nei disordini politici degli anni ’60. Già durante gli studi di architettura all’Università di Venezia, aveva iniziato a mettere in discussione la produzione di massa, il consumismo e il ruolo tradizionale degli oggetti di design. Pesce riconosceva una sorta di magia nella semplice lampadina e nella lampada da scrivania, e riteneva che anche l’oggetto più comune, proprio come l’arte, potesse veicolare un significato più profondo.
Come molti progetti di design di Pesce, la lampada Moloch mette in discussione l’indifferenza delle persone nei confronti dell’ambiente domestico. Spesso le lampade sono oggetti che passano inosservati e non catturano la nostra attenzione. Per Pesce, tuttavia, il design non consisteva nel rendere gli oggetti d’uso quotidiano eleganti, belli o discreti. Piuttosto, voleva stimolare la riflessione e suscitare emozioni, per comunicare aspetti che di solito sfuggono alle persone.
“Moloch”, il nome scelto da Pesce per la sua lampada da terra, richiama un’antica divinità sanguinaria legata al sacrificio dei bambini. Questo titolo, unito alla presenza imponente dell’opera, ne accentua il carattere di scultura totemica e richiama la feticizzazione degli oggetti domestici nella società consumistica. La lampada di Pesce diventa un «godjet» (termine coniato dal critico di architettura Reyner Banham), che modella i comportamenti sociali ed esercita un’influenza inquietante sugli utilizzatori, anziché restare uno strumento anonimo e subordinato. I riferimenti a Moloch sono ricorrenti nella letteratura e nel cinema, dall’Antico Testamento al Paradiso perduto (1667) di John Milton fino al film distopico Metropolis (1927) di Fritz Lang, in cui gli operai vengono sacrificati a un Moloch demoniaco sull’altare del capitalismo guidato dalle macchine. Per Pesce e altri studenti radicalizzati degli anni ’60, un ulteriore punto di riferimento fu Howl (1955), l’angosciata invettiva, alimentata dalla droga, del poeta della Beat Generation Allen Ginsberg sullo stato della civiltà industriale. Moloch la cui mente è pura macchina! Moloch il cui sangue fa scorrere il denaro! Moloch le cui dita sono dieci eserciti! Moloch il cui seno è una dinamo cannibale!
Il sottofondo di insicurezza e ansia nel flusso di coscienza di Ginsberg sembra cogliere lo spirito del tempo e caratterizza l’interpretazione personale che Pesce dà di Moloch. Non siamo tanto noi a consumare gli oggetti domestici, quanto piuttosto sono loro a consumare noi. Pesce ci invita a riconoscere che ogni apparecchio di illuminazione, per quanto apparentemente insignificante, è carico di significati emotivi e filosofici legati ai rituali della vita quotidiana e ai suoi processi di produzione.
Nel 1972, una lampada Moloch appena realizzata fu esposta al Museum of Modern Art di New York City nell’ambito della storica mostra «Italy: The New Domestic Landscape». Fu inserita in un gruppo di oggetti selezionati per le loro «implicazioni socioculturali». Il curatore Emilio Ambasz osservò come i designer di questa categoria «non inventino modelli sostanzialmente nuovi, ma piuttosto riprogettino oggetti già noti inserendo riferimenti socioculturali ed estetici nuovi, ironici e talvolta autoironici». In molti casi, i loro progetti assumevano un carattere esplicitamente rituale: «L’oggetto assume una forma scultorea ed è concepito come una pala d’altare per la liturgia domestica». Un altro motivo per cui la lampada Moloch di Gaetano Pesce fu inclusa nella mostra era quello di rappresentare lo spirito concettuale e sperimentale di Bracciodiferro, studio fondato di recente dal produttore di mobili Cassina. Questo progetto mirava a esplorare gli aspetti più innovativi della cultura del design. L’idea nacque da Pesce e dal suo amico Cesare Cassina, imprenditore lungimirante che ebbe il coraggio di andare oltre gli interessi immediati del mercato, realizzando oggetti dal forte contenuto sociale e politico in edizioni limitate. Il team interdisciplinare di Bracciodiferro, guidato da Pesce e da un altro amico, l’architetto navale Aldo Cichero, ha realizzato con cura sei prototipi della lampada Moloch, ciascuno con una finitura superficiale diversa, come la lucidatura a specchio, il bronzo anodizzato o la verniciatura nera. È proprio uno di questi, precedentemente appartenuto alla collezione personale di Cichero, ad essere stato acquisito dalla NGV. Il progetto iniziale prevedeva un’edizione numerata di cento esemplari, di cui ne sono stati realizzati circa venti.
Nonostante l’accoglienza positiva riservata dalla critica alla mostra New Domestic Landscape del 1972, quando Bracciodiferro chiuse i battenti e la produzione cessò pochi anni dopo, erano state vendute solo tredici lampade Moloch. La lampada Moloch non ebbe successo dal punto di vista commerciale, ma l’intenzione non era quella di saturare i mercati con un nuovo classico del design standardizzato. Con il suo carattere provocatorio, continua a stimolare il dibattito sulle implicazioni culturali del design e sulla responsabilità sociale di designer, produttori e consumatori. Le lampade Moloch sopravvissute sono ormai diventate oggetti costosi e ricercati, il che è piuttosto ironico, visto la critica implicita che muovono al capitalismo e al crescente desiderio consumistico. La lampada rimane uno dei pezzi più apprezzati della collezione permanente del Museum of Modern Art di New York City, dove un esemplare è attualmente in mostra. Nel 2018 ho avuto il piacere di accompagnare questo e altri tesori del Museum of Modern Art a Melbourne in occasione della mostra «MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary Art». È significativo che il pubblico australiano abbia ora una nuova occasione di confrontarsi con questo oggetto insolito e straordinario in modo più duraturo grazie a questa acquisizione di grande impatto.
Non c’è nulla di paragonabile alla lampada Moloch nell’opera di Pesce, sebbene egli abbia continuato a lavorare con lo stesso slancio dirompente e malizioso per altri cinque decenni, fino alla sua morte, avvenuta a New York lo scorso anno.
Juliet Kinchin è una storica del design e curatrice indipendente che attualmente vive in Scozia. Durante il periodo in cui ha lavorato presso il Dipartimento di Architettura e Design del Museum of Modern Art di New York, è stata una delle curatrici della mostra «MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary Art».
Questo saggio è stato pubblicato per la prima volta nel numero 54 della rivista NGV Magazine | settembre-ottobre 2025.
Gaetano PESCE (designer)
BRACCIODIFERRO S.R.L., Genoa (manufacturer)
Prototype no. 000-F for Moloch, floor lamp (1971-1972) {designed and manufactured}
anodised aluminum, painted aluminum, aluminum, steel, painted steel, wood, electrical components
291.5 x 233.5 x 86.2 cm (variable) (installed)
National Gallery of Victoria, Melbourne
Marjorie Josephs-Wilks Bequest, 2025
2025.529