In Paris, the City of Light, there is a historic square situated between the Palais Garnier and the Tuileries Garden, known as the Place Vendôme. It is pierced by a spiralling column forged from the smelted canons of the armies of Europe at the turn of the nineteenth century. Topped by a statue of Napoleon Bonaparte in a Grecian robe, the column surveys every corner of the Place Vendôme, a veritable cradle of luxury, home to the Ritz hotel, many of the world’s most prestigious jewellery workshops and their boutiques, and the haute couture salons of the fabled fashion house Schiaparelli. Magic – of the tangible, earthly variety – is everywhere, from the shop windows displaying spectacular necklaces and watches sparkling with diamonds and precious gemstones, transformed in the ateliers high above street level, to the flurry of fans and paparazzi so often camped outside the Ritz hoping for a glimpse of their favourite celebrity.
At No. 21 Place Vendôme, the name Schiaparelli has remained scrawled across the awning of the Hôtel de Fontpertuis since the mid 1930s, when the designer Elsa Schiaparelli combined her ateliers, haute couture salons and ground-floor boutique at a single address, conceived in a fresh and eclectic style by the celebrated French architect Jean-Michel Frank with their friend, the Swiss sculptor Alberto Giacometti. Schiaparelli was a Roman aristocrat who as a young girl studied the stars with her father Celestino, a scholar, and her uncle Giovanni, a prominent astronomer. She left the shelter of the family home, Palazzo Corsini, and the advances of an unwanted suitor for London and New York before being coaxed back to Europe by her friend Gaby Buffet-Picabia, who introduced her to the aristocratic and avantgarde elite of Paris between the world wars. There, Schiaparelli met painters and great thinkers, musicians and writers – people who nourished her visual and interior world. They were the Surrealists: people like Leonora Fini, Salvador Dalí, Marcel Vertès, Jean Cocteau and Christian Bérard, whose dreamlike artistic universes pushed at the boundaries of classicism and reality, and who would all collaborate with Schiaparelli on commercially creative endeavours, from perfume bottles to advertising, to fabric prints and outlandish embroideries.
Once settled in Paris, Schiaparelli made her first foray into fashion, a quietly radical act that would become one of the most fundamental building blocks of twentieth-century fashion design: the trompe l’oeil – ‘trick of the eye’ – bow knitted in contrast to the collar of a hand-knitted black-and-white sweater she herself wore to a ladies’ luncheon. This symbolic anti-embellishment, almost pixelated in its effect, was the talk of the town, and was followed shortly after by further experiments with similar two-dimensional motifs such as a sailor’s bib, a bleeding heart and a man’s tie. Later, she produced dresses printed with illustrations of her perfume bottles, buttons in the shape of beetles, and, in a sculptural exercise with her friend Salvador Dalí, an elegant black felt hat in the shape of a woman’s high-heeled shoe. Schiaparelli’s penchant for clothes imbued with symbols and stories would culminate in some of the twentieth century’s most dazzling haute couture garments embroidered by the venerated embroidery house of Lesage, including a series of ‘zodiac’ jackets, dresses embroidered with Baroque drawers, and the gilded Phoebus cape from 1938, cut in shocking pink silk velvet and embellished with a lyrical sun. Elsewhere, grapes, coral, sheaves of wheat, roses, butterflies, parrots and lobsters were all common decorative elements in her garments and accessories, treated with a bombastic flair that far surpassed the prettiness of the work of other couturiers of the time.
Though the strange beauty of the natural world was a key conceit in her creations, it was Schiaparelli’s treatment of humanistic elements that would truly imbue her oeuvre with a mysticism all its own. In particular, her collaborations with Cocteau and Dalí pushed the Surrealism and figuration in her work to new heights, with human profiles traced out in delicate bugle beadwork on jackets and coats, red python ‘fingernails’ applied to black suede gloves, and brooches featuring bejewelled ‘crying’ eyes and ruby-red mouths revealing pearl teeth. Inspired by a sketch by Dalí, Schiaparelli’s black silk crepe Skeleton dress traced with trapunto quilted bones from the 1938 Le Cirque collection was a truly modern gesture, cut with the fluidity of her earlier sportswear innovations imbued with an almost sinister anatomical representation, bringing the inside out.
After the designer’s death in 1973 her fashion house lay dormant for decades, revived only in the 2010s by the Italian fashion mogul Diego Della Valle and helmed first by the Swedish-Italian designer Marco Zanini, who was followed shortly after by the French designer Bertrand Guyon. Both names revitalised curiosity and intrigue around the Schiaparelli name, but it was not until the American designer Daniel Roseberry arrived in 2019 that momentum truly shifted. Moving to Paris after a decade spent in the studio of the American designer Thom Browne in New York, the Texan-born talent took the sense of narrative showmanship he had honed with Browne and projected it into Schiaparelli’s universe. For his first show in July 2019, Roseberry himself appeared centrestage, sketching at a drafting table in the middle of the runway, evoking the concept of tabula rasa – a blank page – as his first creations paraded around him. Of those first attempts at capturing Schiaparelli’s surreal spirit, it was a pair of nebulous, gravity-defying confections in swathes of silk faille that crystallised his trajectory, upsizing Schiaparelli’s codes and marrying them with his own sense of metafictional fashion, American realism and contemporary showmanship. ‘When I think about magic, I think about childhood’, says Roseberry, reflecting on one of the themes of the NGV Triennial 2023. ‘And I think about the suspension of disbelief. Every season you have to claw your way back to a space of creative innocence, where you feel like magical things are possible once again.’1
Respecting the legacy of a legend while moving forward with one’s own agenda is a challenging task for a fashion designer, who is constantly caught in a tug of war between past, present and future. In that sense, Roseberry’s journey has been twofold: at first, a case of reluctantly embracing touches of Schiaparelli’s more textbook references, opting rather to riff on her spirit more so than her signature motifs, before plunging headfirst into larger-than-life caricatures of those very tropes. ‘I feel like she was the first person to address the concept of displacement in fashion’, he reflects, adding:
That didn’t really exist before her, but that exists everywhere now. It seems there’s no limit to the amount of Surrealism in fashion now. But I think it’s always been a key part of this brand. It’s that contradiction, that displacement and that chic strangeness that defines her work and that doesn’t define Dior’s work. It doesn’t define Chanel’s work. You would never say Chanel’s legacy was strangeness. And I think that the fact that Elsa was able to do it in a way that always felt like she was still reaching up and still reaching for something that was disciplined and refined and chosen, as opposed to just a collage or something that felt too intentional. I think that the Surrealism and the artistry feels interchangeable here.
By stepping up to the plate and approaching the founder’s ideas with such gusto, Roseberry unlocked a new universality in the work that was previously lacking, moving the conversation away from the subtle romance so often associated with the rarefied world of haute couture towards a bolder vision. In doing so, he successfully provoked the sense of wonderment that comes from, say, a shocking pink velvet gown that hangs not from the wearer’s shoulders, but from a pair of gold doorknocker earrings, or a denim jacket bedazzled with filigree embroideries of eyes and ears, replete with a mismatched pair of perky gilded breasts. ‘The Matador collection was designed with a child’s viewpoint in mind’, says Roseberry, referring to the autumn–winter 2021–22 haute couture collection that also included a black dress with a circular sleeve pattern festooned with 3D silk roses, inspired by an evening coat Schiaparelli designed with Cocteau. He elaborates:
I was imagining if a child walked through the Schiaparelli couture salons, which would be the pieces that he or she would like to reach out and grab? And that’s why the flower dress was really meant to be this bombastic, first degree (in the best possible way) thing. We’re not going into the finery, the subtlety, the nuance. And that’s all very Schiaparelli to me as well, because I find her work intentionally first degree, especially in her embellishment and embroidery.
Roseberry has pushed said embellishment to extraordinary places, with his ambitious designs surpassing the capabilities and expertise of traditional fashion and accessories ateliers. In their stead he’s employed metalworkers, sculptors, jewellers and technicians, who have helped him realise anthropomorphic pieces such as bustiers in mother of pearl, Ceylan lemon tree wood marquetry, a bronze face cast of his muse Maggie Joy Maurer, gowns with moulded leather abs, and headdresses blooming with brass flowers or swirling sunrays covered in gilded leather. ‘It’s interesting to look at the moment when the anatomy and the references to the human body started coming really strongly into the collections’, says Roseberry, acknowledging the psychological effect of his creations:
That’s turned into sort of a code of the house and a staple. It’s as if a legacy of my work here has been to walk through the door that the bone dress opened and exploit that in infinite variations. I feel like the human body is the one thing we all have that we can agree on, and they all look different, but it’s the common ground. Even a soul, or whatever consciousness is, feels subjective, but the physical form feels like the link that, as an outsider in Paris, I feel I’m always looking for.
DAN THAWLEY is an Australian journalist and editor based in Paris. From 2009 until 2023 he was Editor-in-Chief of the Belgian fashion title A Magazine Curated By, editing issues with acclaimed fashion designers. He has contributed reviews, essays and interviews to Vogue, The Business of Fashion, Wallpaper*, Architectural Digest and System Magazine.
This essay was first published in NGV Triennial 2023, National Gallery of Victoria, Melbourne.
A Parigi, la celebre Città delle Luci, si trova una delle sue piazze più eleganti e storiche: Place Vendôme, situata tra il Palais Garnier e il Giardino delle Tuileries. È dominata da una colonna a spirale, realizzata con il bronzo dei cannoni fusi degli eserciti europei all’inizio del XIX secolo. Coronata da una statua di Napoleone Bonaparte in abiti classici, la colonna domina ogni angolo di Place Vendôme, autentico tempio del lusso: qui si affacciano l’iconico hotel Ritz, alcune delle più prestigiose maison di gioielleria al mondo con le loro boutique, e i saloni di alta moda della leggendaria casa Schiaparelli. Una magia concreta, quasi palpabile, permea ogni cosa: dalle vetrine che espongono collane e orologi spettacolari, scintillanti di diamanti e pietre preziose, creati negli atelier situati ai piani superiori, fino al viavai incessante di fan e paparazzi che spesso sostano davanti al Ritz nella speranza di intravedere la loro celebrità preferita.
Al numero 21 di Place Vendôme, il nome Schiaparelli è impresso sulla tenda dell’Hôtel de Fontpertuis sin dalla metà degli anni Trenta, quando la stilista Elsa Schiaparelli riunì in un unico indirizzo atelier, saloni di alta moda e boutique al piano terra, in uno spazio progettato in uno stile fresco ed eclettico dal celebre architetto francese Jean-Michel Frank insieme al loro amico, lo scultore svizzero Alberto Giacometti. Schiaparelli era un’aristocratica romana che, fin da giovanissima, studiava le stelle insieme al padre Celestino, uomo di vasta cultura, e allo zio Giovanni, illustre astronomo. Lasciò il rifugio della casa di famiglia, Palazzo Corsini, e le insistenti attenzioni di un corteggiatore indesiderato per trasferirsi prima a Londra e poi a New York, finché l’amica Gaby Buffet-Picabia la convinse a tornare in Europa, introducendola nell’élite aristocratica e d’avanguardia della Parigi tra le due guerre. Lì Schiaparelli entrò in contatto con pittori e grandi pensatori, musicisti e scrittori: figure che ampliarono e arricchirono profondamente il suo immaginario visivo e interiore. Si trattava dei surrealisti: figure come Leonora Fini, Salvador Dalí, Marcel Vertès, Jean Cocteau e Christian Bérard, i cui universi onirici sfidavano i confini del classicismo e della realtà. Tutti collaborarono con Schiaparelli a progetti creativi di grande successo commerciale: dai flaconi di profumo alla pubblicità, fino alle stampe su tessuto e ai ricami più audaci.
Una volta stabilitasi a Parigi, Schiaparelli compì il suo primo passo nel mondo della moda con un gesto silenziosamente rivoluzionario, destinato a diventare uno dei pilastri del design del XX secolo: il trompe-l’œil – «inganno dell’occhio» – un fiocco lavorato a maglia, in contrasto con il collo di un maglione bianco e nero fatto a mano, che lei stessa indossò in occasione di un pranzo tra signore. Questo effetto simbolico e anti-ornamentale, quasi “pixelato” nella sua costruzione visiva, fece molto parlare di sé e fu seguito poco dopo da ulteriori esperimenti con motivi bidimensionali analoghi, come un pettorale da marinaio, un cuore sanguinante e una cravatta maschile. In seguito realizzò abiti decorati con illustrazioni dei suoi flaconi di profumo, bottoni a forma di coleottero e, in un esercizio dal forte carattere scultoreo insieme all’amico Salvador Dalí, un elegante cappello in feltro nero modellato a forma di scarpa da donna con il tacco alto. La passione di Schiaparelli per gli abiti ricchi di simboli e narrazioni raggiunse il suo apice in alcuni dei capi di alta moda più straordinari del XX secolo, ricamati dalla rinomata maison Lesage, tra cui una serie di giacche “zodiacali”, abiti decorati con motivi barocchi e il celebre mantello di Febo del 1938, realizzato in velluto di seta rosa shocking e impreziosito da un sole lirico. Altrove, grappoli d’uva, coralli, covoni di grano, rose, farfalle, pappagalli e aragoste ricorrevano spesso come elementi decorativi nei suoi abiti e accessori, trattati con uno stile grandioso e visionario che superava di gran lunga la grazia più convenzionale delle creazioni degli altri stilisti dell’epoca.
Sebbene la singolare bellezza del mondo naturale fosse un tema centrale nelle sue creazioni, fu soprattutto il modo in cui Schiaparelli reinterpretò gli elementi umanistici a conferire alla sua opera un misticismo del tutto peculiare. In particolare, le sue collaborazioni con Jean Cocteau e Salvador Dalí portarono il surrealismo e la figurazione nella sua opera a nuovi livelli, con profili umani tracciati attraverso delicati ricami di perline tubolari su giacche e cappotti, “unghie” di pitone rosso applicate a guanti di camoscio nero e spille raffiguranti occhi “piangenti” tempestati di pietre preziose, accanto a bocche rosso rubino che rivelavano denti di perla. Ispirato a uno schizzo di Salvador Dalí, l’abito Scheletro in crêpe di seta nero di Schiaparelli, impreziosito da ossa trapuntate, della collezione Le Cirque del 1938, rappresentava un gesto profondamente moderno: dal taglio fluido, in continuità con le sue precedenti innovazioni nell’abbigliamento sportivo, era attraversato da una rappresentazione anatomica quasi inquieta, che sembrava rovesciare l’interno verso l’esterno.
Dopo la morte della stilista nel 1973, la sua casa di moda rimase inattiva per diversi decenni, per poi essere rilanciata negli anni 2010 dal magnate italiano della moda Diego Della Valle. La direzione creativa fu inizialmente affidata allo stilista italo-svedese Marco Zanini, cui succedette poco dopo il francese Bertrand Guyon. Entrambi questi nomi contribuirono a riaccendere la curiosità e l’interesse attorno al marchio Schiaparelli, ma fu solo con l’arrivo dello stilista americano Daniel Roseberry nel 2019 che la maison conobbe una vera e propria svolta. Trasferitosi a Parigi dopo aver trascorso un decennio nello studio dello stilista americano Thom Browne a New York, il talentuoso stilista texano ha saputo trasferire nell’universo di Schiaparelli lo stile narrativo e scenografico che aveva maturato al suo fianco. Per la sua prima sfilata nel luglio 2019, Roseberry stesso è apparso al centro della scena, intento a disegnare su un tavolo da disegno posto al centro della passerella, evocando il concetto di tabula rasa – una pagina bianca – mentre le sue prime creazioni sfilavano intorno a lui. Tra quei primi tentativi di cogliere lo spirito surreale di Schiaparelli, furono due creazioni eteree e quasi antigravitazionali, realizzate con ampie drappeggiature di faille di seta, a segnare una svolta decisiva nel suo percorso, amplificando i codici della maison e fondendoli con il suo personale senso di una moda metafittizia, del realismo americano e della spettacolarità contemporanea. «Quando penso alla magia, penso all’infanzia», afferma Daniel Roseberry, riflettendo su uno dei temi della NGV Triennial 2023. «E penso alla sospensione dell’incredulità. Ogni stagione devi lottare per ritrovare quello spazio di innocenza creativa, in cui ti sembra che le cose magiche tornino a essere possibili.»¹
Rispettare l’eredità di una leggenda e, al tempo stesso, sviluppare una propria visione creativa è una sfida complessa per uno stilista, costantemente sospeso tra passato, presente e futuro. In questo senso, il percorso di Daniel Roseberry è stato duplice: inizialmente ha accolto con una certa cautela alcuni dei riferimenti più classici di Schiaparelli, preferendo ispirarsi al suo spirito piuttosto che ai suoi motivi più riconoscibili, per poi immergersi con maggiore libertà nella creazione di caricature esagerate proprio di quei tropi. «Ho l’impressione che sia stata la prima a occuparsi del concetto di “scostamento” nella moda», riflette, aggiungendo:
«Prima del suo arrivo non esisteva davvero, ma oggi è ovunque. Oggi il surrealismo nella moda sembra non conoscere più limiti. Ma credo che sia sempre stato un elemento fondamentale di questo marchio. È proprio quella contraddizione, quello scostamento e quella stravaganza raffinata a caratterizzare il suo lavoro, elementi che non appartengono invece all’universo di Dior e che non definiscono l’opera di Chanel. Non si direbbe certo che la stranezza sia parte dell’eredità di Chanel. E credo che il fatto che Elsa sia riuscita a farlo in un modo che dava sempre l’impressione che lei continuasse a tendersi verso l’alto, alla ricerca di qualcosa di disciplinato, raffinato e scelto, anziché un semplice collage o qualcosa che sembrasse troppo studiato. Mi sembra che, in questo caso, il surrealismo e l’arte finiscano quasi per coincidere.»
Assumendosi la responsabilità di confrontarsi con le idee della fondatrice con grande entusiasmo, Daniel Roseberry ha saputo conferire all’opera una nuova universalità, prima meno evidente, spostando il discorso dal romanticismo sottile spesso associato all’universo raffinato dell’alta moda verso una visione più audace e assertiva. In questo modo è riuscito a suscitare un senso di stupore che nasce, ad esempio, da un abito in velluto rosa shocking che non scende dalle spalle di chi lo indossa, ma da un paio di orecchini a forma di battenti dorati, oppure da una giacca di jeans impreziosita da ricami in filigrana che raffigurano occhi e orecchie, insieme a una coppia di seni dorati e vivaci, volutamente dissonanti tra loro. «La collezione Matador è stata ideata pensando al punto di vista di un bambino», afferma Daniel Roseberry, riferendosi alla collezione di alta moda autunno-inverno 2021-22 che includeva anche un abito nero con maniche circolari impreziosito da rose di seta tridimensionali, ispirato a un cappotto da sera disegnato da Elsa Schiaparelli in collaborazione con Jean Cocteau. Roseberry aggiunge:
«Mi chiedevo, se un bambino entrasse nei saloni di alta moda Schiaparelli, quali sarebbero i capi che vorrebbe afferrare? Ed è per questo che l’abito a fiori doveva essere un pezzo così appariscente, in primo piano (nel senso migliore del termine). Non ci siamo soffermati sui dettagli, sulle sottigliezze e sulle sfumature. E anche questo mi sembra molto in stile Schiaparelli, perché trovo che il suo lavoro sia volutamente esagerato, soprattutto per quanto riguarda decorazioni e ricami.»
Daniel Roseberry ha portato questo linguaggio decorativo a livelli straordinari, attraverso progetti ambiziosi che superano spesso le capacità e le competenze dei tradizionali atelier di moda e accessori. Al loro posto ha coinvolto artigiani del metallo, scultori, gioiellieri e tecnici specializzati, che lo hanno affiancato nella realizzazione di opere dalle forme antropomorfe: bustini in madreperla, intarsi in legno di limone di Ceylon, un calco in bronzo del volto della sua musa Maggie Joy Maurer, abiti con addominali scolpiti in pelle e copricapi ornati da fiori in ottone o da raggi solari sinuosi rivestiti di pelle dorata. «È interessante osservare il momento in cui l’anatomia e i riferimenti al corpo umano hanno iniziato a emergere con grande forza nelle collezioni», afferma Daniel Roseberry, riconoscendo l’effetto psicologico delle sue creazioni:
«È diventato una sorta di regola della maison e un punto fermo. È come se l’eredità del mio lavoro qui fosse stata quella di varcare la soglia che l’abito Scheletro ha spalancato e svilupparla in infinite varianti. Ho l’impressione che il corpo umano sia l’unica cosa su cui siamo tutti d’accordo: anche se ognuno è diverso, è il nostro punto in comune. Anche l’anima, o qualunque cosa sia la coscienza, appare soggettiva, ma la forma fisica mi sembra quel legame che, da straniero a Parigi, ho sempre la sensazione di cercare.»
DAN THAWLEY è un giornalista e redattore australiano che vive a Parigi. Dal 2009 al 2023 è stato caporedattore della rivista di moda belga A Magazine Curated By, curandone i numeri in collaborazione con stilisti di fama internazionale. Ha inoltre collaborato con recensioni, saggi e interviste per testate come Vogue, The Business of Fashion, Wallpaper*, Architectural Digest e System Magazine.
Questo saggio è stato pubblicato per la prima volta in occasione della NGV Triennial 2023, presso la National Gallery of Victoria di Melbourne.
Daniel Roseberry for Maison Schiaparelli Jacket 2021, from The Matador collection, haute couture, autumn–winter 2021–22. Courtesy of Maison Schiaparelli, Paris
© Maison Schiaparelli, Paris